Diretto dall’italiano Mauro John Capece, il thriller AncheSeLiOdio ha conquistato i critici della Salle De Cinéphiles di Philadelphia dopo la proiezione pubblica del film il 5 Luglio 2026.
Capece, che già nel 2015 vinse il Philadelphia Independent Film Festival con il suo La scultura dando inizio ad una distribuzione festivaliera, televisiva e in piattaforma decisamente importante, non solo ha ottenuto dai critici il premio per il miglior film, ma ha avuto dagli stessi una recensione critica approfondita che riportiamo di seguito.
AncheSeLiOdio (Even if I Hate Them) è un intenso thriller psicologico che supera le convenzioni del genere ponendo la disgregazione emotiva al centro della propria narrazione. Piuttosto che presentare il crimine come fulcro del racconto, Mauro John Capece lo utilizza come catalizzatore per esplorare le fratture nascoste all’interno di una famiglia apparentemente rispettabile. Il risultato è un film che funziona simultaneamente come thriller ricco di suspense, dramma familiare intimo e riflessione filosofica sulle relazioni contemporanee. Ciò che distingue immediatamente il film è la sua maturità emotiva. Ogni evento principale appare radicato in comportamenti umani credibili, anziché in semplici esigenze narrative, permettendo allo spettatore di empatizzare con i conflitti interiori di ciascun personaggio. L’indagine sull’omicidio non rappresenta soltanto una fonte di tensione, ma il momento in cui anni di silenzi, insoddisfazione e distanza emotiva diventano finalmente impossibili da ignorare. Il film pone infine una domanda fondamentale: sono gli eventi straordinari a distruggere le persone, oppure gli eventi straordinari non fanno altro che rivelare vite che stavano già lentamente crollando?
Narrazione
La sceneggiatura bilancia con grande attenzione il realismo psicologico e gli elementi tipici del thriller. Il percorso di Anselmo risulta particolarmente coinvolgente perché non viene presentato né come un uomo impeccabilmente innocente né come un fallimento morale. È invece un personaggio profondamente umano, il cui desiderio di evadere, anche solo per un momento, dalla routine quotidiana produce conseguenze ben oltre ogni sua immaginazione. La narrazione oscilla costantemente tra tensione esterna e conflitto interiore, mantenendo vivo l’interesse dello spettatore non solo nel voler scoprire cosa accadrà, ma anche nel comprendere le motivazioni profonde che guidano ogni personaggio. Questa costruzione stratificata conferisce al film una complessità emotiva raramente riscontrabile nei tradizionali drammi criminali.
Temi
La disgregazione della famiglia
Il tema centrale è senza dubbio il progressivo disfacimento del nucleo familiare. Piuttosto che attribuire la distruzione a un unico evento catastrofico, il film mostra come anni di trascuratezza emotiva, routine, solitudine e mancanza di comunicazione finiscano lentamente per erodere i rapporti dall’interno. Quando la tragedia arriva, le fondamenta affettive della famiglia hanno già iniziato a sgretolarsi.
Libertà e prigionia
Una delle idee filosofiche più efficaci del film è l’esplorazione del concetto di libertà. Anselmo crede che una decisione impulsiva possa liberarlo, anche solo temporaneamente, dalla stanchezza emotiva e dalla monotonia della vita domestica. Paradossalmente, quella ricerca di libertà si trasforma proprio nel percorso che lo conduce verso la prigionia. Il contrasto tra reclusione emotiva e incarcerazione fisica costituisce una delle strutture simboliche più potenti dell’opera.
Colpa
Il film presenta il senso di colpa in molteplici dimensioni. La colpa giuridica si intreccia con quella morale, emotiva e personale. Ancor prima dell’accusa di omicidio, Anselmo porta già sulle spalle pesi invisibili generati dall’insoddisfazione, dalla tentazione e dal conflitto interiore. L’indagine diventa così non soltanto un procedimento giudiziario, ma anche un doloroso percorso di resa dei conti con sé stesso.
La routine
La routine viene rappresentata quasi come un antagonista invisibile. La ripetitività della vita quotidiana trasforma lentamente il conforto in una forma di costrizione. Più che descrivere la routine come qualcosa di intrinsecamente negativo, il film mostra come la stagnazione emotiva possa svilupparsi silenziosamente quando la comunicazione viene meno.
La fragilità della vita ordinaria
Forse il messaggio più universale del film è che la normalità può cambiare per sempre in un solo istante imprevedibile. Un marito rispettabile, una famiglia stabile e un’esistenza apparentemente ordinaria si sgretolano quasi all’improvviso, ricordando allo spettatore quanto siano fragili le nostre certezze.
Simbolismo
La casa familiare
La casa rappresenta al tempo stesso protezione e prigionia. È il luogo della sicurezza, ma anche quello in cui l’insoddisfazione emotiva si accumula silenziosamente. Lo spazio domestico riflette le barriere invisibili che crescono progressivamente tra i membri della famiglia.
L’escort
L’escort simboleggia la fuga più che il desiderio. Rappresenta il tentativo di Anselmo di riconnettersi con una parte dimenticata di sé: una vita libera dalle responsabilità, dalle aspettative e dalla routine. Il suo appartamento diventa la soglia che separa la fantasia da una realtà irreversibile.
L’omicidio
L’omicidio assume un valore simbolico come distruzione dell’illusione. Esso porta alla luce verità emotive che esistevano già sotto l’apparente stabilità della famiglia.
Il carcere
Il carcere esiste su due livelli nel corso del film. Da un lato rappresenta l’ingiustizia della detenzione fisica. Dall’altro simboleggia la prigione emotiva fatta di routine, silenzio, obblighi, insoddisfazione e incapacità di comunicare sinceramente con le persone che amiamo. Il film suggerisce ripetutamente che questa seconda forma di prigionia sia forse ancora più difficile da abbandonare.
I personaggi
Uno dei maggiori punti di forza del film risiede nella costruzione dei personaggi. Anselmo rimane una figura profondamente empatica nonostante le sue scelte sbagliate, poiché le sue azioni nascono da una fragilità emotiva e non dalla malvagità. Anche Agata è un personaggio di grande spessore. La sua tristezza viene raccontata con notevole misura, rendendo autentica la sua insoddisfazione senza mai cadere nell’enfasi. Incarna quella stanchezza emotiva che spesso si sviluppa silenziosamente nelle relazioni di lunga durata. Insieme, Anselmo e Agata non rappresentano due opposte posizioni morali, ma due esseri umani complessi, permettendo allo spettatore di comprendere ed empatizzare con entrambi.
La regia
Mauro John Capece dimostra grande sicurezza nel lasciare che atmosfera e psicologia guidino il racconto. Anziché spettacolarizzare la violenza o affidarsi ai ritmi convenzionali del thriller, la regia privilegia il realismo emotivo e l’ambiguità morale. Questa scelta trasforma il film in qualcosa di molto più ricco di una semplice storia criminale. Il suo stile visivo misurato permette alla tensione di nascere naturalmente dalle dinamiche tra i personaggi piuttosto che dallo spettacolo esteriore.
Visione artistica
Il film riesce a fondere con successo la sensibilità del cinema d’autore con una narrazione drammatica accessibile. Le sue sfumature filosofiche non oscurano mai il racconto emotivo, ma al contrario lo approfondiscono. Il risultato è un’opera che funziona contemporaneamente come thriller psicologico, dramma familiare e riflessione sociale. La voce autoriale di Capece emerge chiaramente lungo tutto il film, soprattutto nel suo interesse per l’esplorazione di questioni esistenziali attraverso storie umane intime.
Gli aspetti più riusciti
- Ricca caratterizzazione psicologica dei personaggi.
- Intelligente fusione tra thriller e dramma familiare.
- Solida esplorazione dei temi della libertà, della colpa e della prigionia emotiva.
- Simbolismo efficace legato alla famiglia, alla routine e alla costrizione.
- Un protagonista moralmente complesso, la cui umanità rimane intatta dall’inizio alla fine.
- Ritmo narrativo ponderato, che privilegia la tensione emotiva rispetto allo spettacolo.
- Una narrazione filosofica che continua a stimolare la riflessione anche dopo la conclusione del film.
Considerazioni finali
AncheSeLiOdio (Even if I Hate Them) è un’opera psicologicamente coinvolgente ed emotivamente sofisticata che utilizza la struttura del thriller criminale per esplorare le fratture nascoste della famiglia contemporanea. Mauro John Capece trasforma con grande abilità quella che avrebbe potuto essere una convenzionale storia di omicidio in una meditazione sulla routine, sull’identità, sulla libertà, sul senso di colpa e sulla lenta erosione emotiva che spesso precede il crollo visibile di una vita. Il suo maggiore merito consiste nel ricordare allo spettatore che la tragedia raramente nasce da un singolo evento catastrofico. Più spesso prende forma attraverso una moltitudine di momenti silenziosi, di distanze emotive e di bisogni affettivi rimasti inascoltati. Combinando suspense, riflessione filosofica e interpretazioni profondamente umane, il film offre un’esperienza al tempo stesso intellettualmente stimolante ed emotivamente intensa. AncheSeLiOdio si impone come un’opera matura e profondamente stimolante del cinema indipendente, capace di invitare lo spettatore a riflettere non soltanto sulla giustizia e sul crimine, ma anche sui fragili legami che definiscono la famiglia, l’amore e la libertà individuale.