Carl Wharton, attore e regista britannico con oltre 40 anni di carriera, ha lasciato un segno indelebile nel mondo dello spettacolo grazie alla sua versatilità e dedizione. Dal teatro al cinema, passando per il doppiaggio e la regia, Wharton ha interpretato ruoli memorabili che hanno messo in luce la sua straordinaria profondità emotiva e fisicità.

In questa intervista esclusiva, Carl ci racconta i momenti salienti della sua carriera, i progetti che l’hanno definita e i valori che lo ispirano, offrendo uno sguardo autentico sul mestiere dell’attore. Dalla passione per il teatro alle esperienze internazionali sul grande schermo, fino ai suoi sogni futuri, Wharton condivide le lezioni apprese e i consigli preziosi per le nuove generazioni di artisti.

Un viaggio affascinante attraverso le sfide e i successi di un attore che ha saputo trasformare il proprio talento in una vocazione senza tempo.

Inizio della carriera e ispirazione

Può dirci come è nata la sua passione per la recitazione? C’è stato un momento o un’esperienza particolare che l’ha ispirata a intraprendere questa carriera?

Mi ricordo di aver desiderato diventare un attore fin dall’età di 11 anni. A scuola avevamo una lezione di teatro a settimana, che consisteva principalmente nel leggere ad alta voce da un copione. Tutti leggevano con voce monotona, rendendo la lezione molto noiosa. Ricordo di aver sempre voluto usare espressioni e voci di personaggi, ma ero troppo timido per provarci.

Quando arrivò il momento di diplomarmi, i professori ci proponevano una lista di carriere consigliate, ma purtroppo la recitazione non era inclusa. Ho lasciato la scuola e mi sono formato come falegname.

Il mio cuore, però, desiderava ancora diventare attore e, a 18 anni, ho deciso di unirmi a gruppi teatrali amatoriali locali per recitare in drammi e musical. Questo ha rafforzato la sensazione che tutto il mio essere fosse destinato alle arti, in particolare al teatro. Questo sentimento innato non mi ha mai abbandonato.

A 20 anni ho iniziato a prendere lezioni private di teatro e dizione, superando vari esami di recitazione. Un anno dopo, ho lasciato il mio lavoro e mi sono iscritto alla Liverpool Theatre School and College per studiare recitazione e danza. Ho prolungato i miei studi per un totale di 4 anni, cercando di acquisire quante più conoscenze possibile.

La sua carriera abbraccia oltre 40 anni tra cinema, televisione, teatro e doppiaggio. Guardando indietro, qual è stato il momento di svolta?

Ci sono stati molti momenti di svolta. Decidere di entrare nel teatro amatoriale, prendere lezioni private, lasciare il lavoro, iscrivermi a una scuola di recitazione: tutti passaggi fondamentali.

Uno dei momenti più significativi è stato il passaggio dal teatro al cinema. Dopo il diploma, mi sono ritrovato improvvisamente un piccolo pesce in un grande oceano. È stato uno shock, dopo 4 anni di sicurezza nella scuola di recitazione.

Ho imparato rapidamente che il rifiuto è una costante in questo mestiere e bisogna cercare di non prenderlo sul personale. Altrimenti, si rischia di affogare.

Per i primi 26 anni della mia carriera professionale dopo il diploma, ho recitato in teatro, musical, teatro educativo e ho persino fondato una mia compagnia itinerante per ottenere l’adesione al sindacato British Equity Union. Il mio obiettivo era recitare sul palco della Royal Shakespeare Company, quindi non consideravo il cinema una possibilità. Per me, il teatro rappresentava la vera essenza della recitazione. Pensavo che il cinema fosse troppo semplice: se commetti un errore, puoi semplicemente rifare la scena, mentre in teatro devi affrontarlo immediatamente.

Nel 2011, mentre ero a Londra per un’audizione, ho ricevuto una telefonata da una produttrice, Hannah North, che mi ha invitato a partecipare al film Self Same Sky, un adattamento moderno di Henry IV, Part Two. Questo progetto mi ha permesso di lavorare con registi talentuosi come William Forster e Michael Mannion e di approfondire il personaggio di Henry. È stato un risveglio per me. È stato il momento in cui ho deciso di dedicarmi completamente al cinema e alla televisione.

Stile di recitazione e processo creativo

Le sue performance sono state elogiate per la profondità emotiva e la fisicità. Come si prepara per un nuovo ruolo?

Ogni progetto e personaggio arriva con i propri parametri. Questi includono il tempo di preparazione disponibile prima delle riprese, quanto in anticipo si riceve il copione, ecc. Tutti questi fattori influenzano il livello di approfondimento che si può raggiungere nella costruzione del background del personaggio.

La prima cosa che faccio è leggere il copione più volte. Tuttavia, non sempre si dispone di un copione completo, e le informazioni possono essere scarse. In questi casi, quando il personaggio appare solo in poche scene, è necessario fare delle scelte. Queste scelte si basano sull’analisi delle sezioni disponibili del copione, osservando come il personaggio reagisce agli altri, cosa dice e cosa non dice.

È meraviglioso quando si dispone di un copione completo, magari con un background fornito dallo scrittore o dal regista, e con tempo sufficiente per esplorare la psicologia del personaggio. Per esempio, interpretare Henry in Self Same Sky è stata una di queste opportunità.

Per sviluppare il viaggio emotivo di Henry, ho confrontato le emozioni che il personaggio provava in certe situazioni con ricordi emotivi simili della mia vita. Questo metodo, noto come memoria affettiva, permette all’attore di vivere il personaggio piuttosto che semplicemente recitarlo. Questo approccio mi consente di offrire performance basate su emozioni autentiche e risposte naturali.

Ha un metodo specifico o un processo che segue per entrare nel personaggio?

La mia preparazione potrebbe essere classificata come appartenente al metodo Stanislavski o al Metodo, anche se non li ho studiati formalmente. Utilizzo tecniche che ho affinato nel corso degli anni, basate sulla mia esperienza e su ciò che funziona meglio per me.

Come bilancia le richieste emotive e fisiche dei suoi ruoli?

Personalmente, trovo che le richieste emotive siano più difficili da lasciare andare, anche se, come per tutte le emozioni, sono naturalmente connesse al fisico.

Ad esempio, recentemente ho interpretato l’antagonista Bandit Nistrol in The Last Redemption, girato in Sicilia. Ero appena guarito dal Covid e nell’ultimo giorno di riprese dovevo girare diverse scene di combattimento con la spada. Anche se mi sentivo debole come un gattino, ho dovuto attingere alle mie risorse interiori per eseguire le scene con energia e determinazione. Il regista, John Real, si è detto soddisfatto delle riprese, il che mi ha motivato ulteriormente.

Tra un “Ciak” e l’altro, sentivo il mio corpo pronto a crollare per la stanchezza, ma come professionista, il mio compito era continuare. In quel caso, ho usato la mia stessa esaurimento fisico e dolore per aggiungere profondità al personaggio di Nistrol.

Ruoli chiave e collaborazioni

Ha interpretato il ruolo di Nistrol, l’antagonista in The Last Redemption, accanto a James Cosmo e Kevin Sorbo. Come ha affrontato questo personaggio e qual è stato l’aspetto più memorabile di questa esperienza?

Ho già lavorato con il regista John Real e gran parte del suo team di produzione, quindi ogni volta che collaboriamo è un’esperienza confortevole, quasi familiare. Avere il copione con largo anticipo è stato un grande vantaggio, poiché ho potuto utilizzare le tecniche che ho descritto in precedenza per sviluppare il background del personaggio.

Nistrol avrebbe potuto essere interpretato semplicemente come un “cattivo”, ma come accade con tutti i villain, anche lui ha le sue ragioni per le scelte che fa, anche se possono sembrare sbagliate agli occhi degli altri personaggi. Per dare profondità a Nistrol, ho cercato di individuare un livello di emozione che derivasse dalla sua convinzione personale di essere nel giusto.

Il fatto che The Last Redemption fosse un film medievale è stato per me un grande piacere. Tornare in Sicilia, lavorare di nuovo con John e Adriana, essere scelto per un ruolo così importante e recitare con un cast straordinario, senza dimenticare l’opportunità di indossare quegli splendidi costumi, sono tutti aspetti che rendono questa esperienza memorabile.

Il suo ruolo come Jack Pendle in Wrath of the Crows è considerato uno dei suoi più significativi. Può condividere qualche aneddoto o momento dietro le quinte di questa produzione?

Interpretare il becchino/esecutore in Wrath of the Crows (Princess of Dark) è stato il mio secondo film in Italia e la prima volta che ho lavorato con il regista Ivan Zuccon. Il personaggio aveva poche battute, ma quando parlava, lo faceva per una ragione. La fisicità e il silenzio erano le sue caratteristiche predominanti.

Il set e l’illuminazione hanno davvero contribuito a dare vita a questo personaggio, ed è stato divertente interpretare qualcuno senza limiti di decenza o emozioni.

Ha collaborato con registi come Ivan Zuccon e John Real. Come adatta il suo approccio quando lavora con registi diversi?

Gran parte del mio lavoro è internazionale, quindi mi trovo spesso ad adattarmi non solo agli stili di lavoro dei diversi registi, ma anche alle differenze culturali e linguistiche. La maggior parte dei progetti in cui sono stato coinvolto dispone di un traduttore per trasmettere le indicazioni del regista, ma a volte qualcosa può andare perso nella traduzione. In questi casi, è fondamentale essere pronti e sicuri di sé per fare domande o chiedere chiarimenti.

Ho scoperto che questa sicurezza in sé stessi rassicura anche il regista sul fatto che si è la scelta giusta per il ruolo. Naturalmente, tutto deve essere fatto con professionalità e rispetto.

Versatilità nei ruoli e generi

Ha esperienza in diversi generi, dall’horror ai film d’azione medievali. In quale genere si sente più a suo agio e quale la sfida di più?

Il genere medievale è sempre molto appagante, specialmente se la storia ha una certa profondità e non si limita a scene d’azione per suscitare reazioni dal pubblico. Lo stesso vale per l’horror: se c’è una buona trama e personaggi ben sviluppati, è un’esperienza gratificante perché offre l’opportunità di creare un background e un arco narrativo per il personaggio.

Se invece la trama è debole e l’enfasi è posta su più sangue e violenza possibile, diventa una sfida maggiore immergersi nel progetto.

Ha un ruolo dei sogni o un tipo di personaggio specifico che le piacerebbe interpretare in futuro?

In futuro, mi piacerebbe essere profondamente coinvolto in una produzione di fantascienza, sia cinematografica che televisiva. Recentemente sono stati prodotti progetti epici in questo genere a livello globale, e mi sento pronto a entrare in questo mondo.

Ha lavorato in produzioni internazionali. In che modo recitare in una produzione estera differisce dal lavorare su set locali?

Lavorare in un Paese diverso, con costumi e stili di produzione specifici, può inizialmente essere uno shock. Tuttavia, più si accumulano esperienze, più si impara ad adattarsi a quei metodi di regia e produzione.

Nonostante ciò, è importante mantenere l’integrità e sollevare domande se non ci si sente a proprio agio o sicuri di ciò che viene richiesto.

Alcuni progetti vicini a casa si sono rivelati più difficili da gestire rispetto a quelli internazionali, ma preferisco non approfondire ulteriormente questo aspetto.

Doppiaggio e regia

Come si prepara per un ruolo di doppiaggio rispetto a un ruolo davanti alla telecamera?

Creare un personaggio per il doppiaggio segue inizialmente passaggi simili. Analizzare il copione e i dialoghi permette di costruire le basi da cui il personaggio e la sua voce evolveranno.

Ci si chiede: qual è la trama? Qual è l’arco narrativo dei personaggi in quella trama? Quali sono le loro motivazioni e obiettivi? Il personaggio è umano, animato, una creatura o un narratore?

Alcuni progetti di doppiaggio forniscono anche schizzi visivi di come immaginano il personaggio, oltre a indicazioni su intonazione ed emozioni. Questo livello di dettaglio spesso supera ciò che viene fornito per un personaggio in un progetto cinematografico, ed è un vantaggio. Tuttavia, ci sono molti progetti di doppiaggio in cui si lavora in autonomia, inviando diverse varianti alla produzione, così che abbiano opzioni tra cui scegliere.

Ha mai trovato il doppiaggio più impegnativo rispetto alla recitazione sul set? Se sì, perché?

Sul set, si è sempre circondati da cast e troupe, ma lavorando in uno studio di registrazione a casa, bisogna essere auto-motivati e critici verso il proprio lavoro per produrre risultati di qualità.

Ha lavorato anche come regista. In che modo dirigere ha influenzato il suo approccio alla recitazione?

Nel corso degli anni, prima di dedicarmi al cinema, mi sono concentrato molto sul teatro, scrivendo, producendo, dirigendo e recitando. In retrospettiva, da perfezionista, a volte ero troppo restrittivo come regista. Sapevo cosa volevo, come doveva essere fatto o come l’avrei fatto io, e questa mentalità chiusa spesso toglieva l’aspetto divertente del tempo passato in prova.

D’altra parte, ho anche sperimentato la situazione opposta come attore, lavorando con registi dominanti, e ho avuto difficoltà a sviluppare completamente il mio personaggio a causa di ciò.

Con l’età, però, arriva la saggezza. Oggi mi concentro di più sull’aspetto creativo di una produzione, che si sviluppa attraverso la consultazione e il confronto tra regista e attori.

Consigli e riflessioni

Quali consigli darebbe agli aspiranti attori che vogliono costruire una carriera duratura come la sua?

Sarebbe meraviglioso poter dare consigli che mettano ogni aspirante attore sulla strada giusta per avere successo. Suggerisco di porsi una domanda fondamentale: qual è la vostra definizione di successo?

Essere una star di prima grandezza è un obiettivo nobile, ma è davvero il significato autentico del successo? Anche le star hanno periodi di pausa tra un lavoro e l’altro.

Non ci sono scorciatoie, ma c’è molto di fortuna: trovarsi nel posto giusto al momento giusto, ad esempio.

Accettate tutti gli aspetti del mestiere dell’attore: autogestione, autopromozione, sviluppo personale, apprendimento continuo e fissare obiettivi.

Mantenete affilate le vostre capacità creative e i vostri talenti, e create anche i vostri progetti. Se dovete essere attori “a giornata”, accettatelo e sfruttate tutte queste esperienze per arricchire la vostra cassetta degli attrezzi creativa. Le esperienze di vita possono essere utilizzate per sviluppare personaggi futuri nel vostro lavoro.

Essere un attore, un creativo, è una parte di me, della mia personalità, della mia vita. Spesso dico che essere attore per me è innato. La passione e la fatica di essere un attore sono paragonabili al sangue nelle mie vene. È qualcosa di più profondo di un’ambizione o un obiettivo. È semplicemente parte di ciò che sono.

Dopo tanti anni nel settore, cosa continua a motivarla e ispirarla come attore?

Con tutto nella vita, serve duro lavoro, fissare obiettivi e piani, e una continua automotivazione, specialmente considerando il rifiuto quotidiano che fa parte di questa professione. Bisogna sviluppare un sistema per trasformare i rifiuti in opportunità. Imparare nuove competenze. Spingersi oltre i limiti percepiti. Non ristagnare. Rialzarsi e andare avanti.

Se potesse dare un solo consiglio a sé stesso all’inizio della sua carriera, quale sarebbe?

Direi al mio io più giovane che essere un attore “a giornata” non è vendere la propria anima o un fallimento.

Non essere un perfezionista al punto da ostacolare la creatività.

Forse gli avrei anche consigliato di dedicarsi al cinema prima di quanto abbia fatto, ma mi chiedo: avrei avuto le qualità necessarie in una fase più precoce del mio sviluppo? Non ha senso perdere tempo chiedendosi “e se…?”.

Progetti futuri e obiettivi

Può raccontarci dei progetti o dei ruoli a cui sta lavorando attualmente?

Al momento sto aspettando che riprendano le riprese di un progetto cinematografico intitolato The India House. Ho già girato alcune scene in India, ma il resto sarà girato a Londra.

Ho anche altri progetti in attesa di programmazione, quindi mi aspetto che il 2025 sarà un anno impegnativo.

Sto inoltre muovendo piccoli passi per realizzare The Retribution, una mia sceneggiatura. Originariamente l’ho scritta come un dramma musicale per il teatro, ispirato liberamente a La lettera scarlatta di Nathaniel Hawthorne. Sono riuscito a produrlo, dirigerlo e interpretarlo sul palco alcune volte più di 30 anni fa, prima che rimanesse in sospeso. Durante il lockdown ho deciso di adattarlo per il cinema. È scritto in uno stile di inglese antico, che gli conferisce un ritmo particolare. Se ci sono produttori interessati ad affrontare qualcosa di diverso, sono aperto al dialogo!

Ha in programma di tornare alla regia o si concentrerà esclusivamente sulla recitazione?

Attualmente sto dirigendo un cortometraggio horror intitolato The Devil Comes Twice, scritto da un eccellente sceneggiatore, Simon O’Corra. Lavorerò con un piccolo team di professionisti, tutti molto appassionati del progetto. Puntiamo più su un horror psicologico che sul sangue e le viscere.

Dove vede la sua carriera nei prossimi anni e quali obiettivi sta perseguendo?

Per il 2025, sto spingendo la mia carriera avanti con il supporto del mio agente, atiusmanagement.com, per lavorare maggiormente in televisione, in particolare nelle soap settimanali come Emmerdale, Coronation Street, Eastenders e così via. Tuttavia, continuerò con tutti gli altri miei progetti e attività.

Domande personali e divertenti

Se potesse lavorare con qualsiasi attore o regista, vivente o deceduto, chi sceglierebbe e perché?

Ci sono tanti attori e registi con cui mi piacerebbe lavorare in futuro.

Daniel Day-Lewis, sia come attore che come regista, per la profondità con cui affronta ogni progetto. Arnold Schwarzenegger, per la sua tenacia, la capacità di fissare obiettivi e il suo interesse per il bene del mondo.

Qual è un ruolo o una scena che ha interpretato e che occupa un posto speciale nel suo cuore?

Una delle mie scene preferite, che rimarrà sempre con me, è tratta dal film Self Same Sky, dove ho interpretato Henry. Ho già menzionato questo progetto come quello che ha segnato il mio passaggio dal teatro al cinema.

La scena era estremamente emotiva: Henry doveva chiedere al figlio di lasciare per sempre la sua casa. Le lacrime sono scese e i cuori sono stati profondamente toccati, sia per me che per Marc Ralph, che interpretava Hal, mio figlio.

Se non fosse diventato attore, quale altra professione avrebbe perseguito?
Come attore freelance, ho sempre svolto altri lavori per sostenere la mia carriera.

Sono un falegname e carpentiere, un insegnante di fitness e per gran parte della mia gioventù ho lavorato come istruttore di palestra.

Sono sempre stato un lavoratore autonomo, il che mi ha dato la libertà di impegnarmi in lavori creativi.

Parole finali per il pubblico

C’è qualcosa che non le è mai stato chiesto in un’intervista, ma di cui le piacerebbe parlare?

Non ci sono argomenti specifici che sento di dover affrontare, ma mi piace sempre l’opportunità di parlare apertamente dei miei progetti e delle mie esperienze, condividendo ciò che ho imparato nel corso degli anni.

Ha un messaggio che vorrebbe condividere con i suoi fan e i lettori di Mondospettacolo?

Non sono una persona che ama discutere di politica, ma come padre, marito e nonno, mi preoccupa ciò che il futuro potrebbe riservare a tutti noi.

Nonostante i tempi sembrino diventare sempre più difficili, credo nella bellezza e nella luce dell’anima umana. Finché ci saranno persone che condividono amore e compassione, possiamo ancora sperare in un futuro illuminato.

Mi piacerebbe vedere più progetti prodotti con un messaggio positivo, piuttosto che tutti questi film brutali che vengono approvati.

Spero che i lettori possano apprezzare i pensieri e le esperienze che ho condiviso in questa intervista e ringrazio tutti per il loro continuo supporto e amore.

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